林哲司のポップス作曲法 改訂新版

構成数 : 1枚

第1章 作曲のプロセス
1 曲のコンセプトを決め、核になるフレーズを作る
新しいモチーフを作るか、類似したモチーフをつなげるか
キーワードを具体的に分析する
歌詞が決まっている部分に曲を付ける
サビに施したちょっとした作為
-核がなくちゃ、いい曲は書けない
-8小節で成り立つフレーズ
-サビを繰り返す
2 核を中心にして全体のメロディを構成する
コードの流れからメロディを導き出す
フレーズとフレーズをスムーズにつなぐ
Bブロックの繰り返しを避ける
サビの前にワンクッション置くための1ブロック
3 曲全体の構成を考える
曲には"起承転結"がある
2コーラス目のサビはリピートさせない
終わりに向かってサビを繰り返す

第2章 モチーフ作りからメロディ作りへ
1 どうやってモチーフを作るのか
僕らの頭の中には今まで聴いてきた音楽が蓄積されている
-誰もがメロディ語を使えるはずだ
偶発的インスピレーションと意図的インスピレーション
2 作曲法の3つのタイプ
メロディ先行型
-瞑想の中で作る
-コード進行を念頭に置いて作る
-特定のサウンドをイメージする
-既成の曲をアレンジしていく
歌詞先行型
メロディと歌詞を同時進行させる方法
曲を作るためにルールは経験的に知っているもの
3 インスピレーションを得るためのさまざまな方法
メロディ先行型の場合
-「空歌」を発展させる
-好きな曲の真似をして作ってみる
-CMソングのつもりで自由なメロディを付ける
-レコーダーやシーケンサー/DAWを使う
-無意識下の作業を形にする
-日記のように毎日メロディを書き記していく
歌詞先行型の場合
-でたらめな英文を使って適当なフレーズを口ずさむ
-日本語による歌詞先行型ならではの面白さ
4 モチーフの形を整える
詞の長さを考慮して符割を調節する
拍子について......4分の4がスタンダード
ナチュラルに聴こえるビート感を大切に
メジャーとマイナー
-マイナー感/メジャー感に濃淡を付けるテンションコード
-途中でメジャー/マイナーが入れ替わる
メロディは自由な音に飛んでいい
-ボーカルの音域～自然に歌える範囲内の音域を使うこと

第3章 モチーフを発展させる
1 曲の成り立ち
ポップスの絶対条件は「誰もがわかりやすい曲を書くこと」
-モチーフ
-モチーフの長さ
-最小のモチーフを発展させる
-小楽節
-大楽節
-サビ
2 モチーフから曲を作るプロセス
どのモチーフから作り始めるか?
-メロディにコードを付ける
-最初に決めたリズムをキープする
3 新しいモチーフの導き出し方
1つのモチーフを繰り返しながら、コードを変えていく
新しいメロディを次々に展開させていく
-新しいモチーフを作るか、類似したモチーフをつなげるか
特定のサウンド/楽器をイメージして作る
コード進行から新しいモチーフを導き出す
-さまざまな曲をコピーしてコードに対するセンスを磨く
ルールに縛られず、自分の感性を大事に

第4章 コードについて
1 コードの仕組みについて
現代のコード観
メジャーとマイナー
主要三和音とその機能
-6th/7thのコード
代理コードの存在
2 コード進行について
コードの性質に導かれてコードの流れが作り出される
メロディとコードの関係
3 ポップスでよく使われるコード進行
最も代表的なコード進行、循環コード
メロディの強調にもってこいの2度進行
流麗な響きの5度進行
ぜひチャレンジしてほしい半音進行
コード進行の組み合わせ
-コードチェンジのタイミング
4 コード進行からメロディを導き出す
1つのコード進行にはいろいろなメロディが当てはめられる
主要三和音だけでも曲は作れる
循環コードから数々の名曲が生まれた
5 平凡なコード進行に変化を与えるテクニック
サブドミナントでどんな代理コードを使うか
和音構成を膨らませる
-いろいろな音楽をたくさん聴いて、アイデアを蓄えておくこと
コードを展開させるときに、ルールはない

第5章 曲の構成を考える
1 起承転結
サビ=「転」を中心に起承転結を構成する
-モチーフの位置感を考える
-「転」から始まる曲があってもいい
2 モチーフとモチーフをつなぐテクニック
音楽の三要素
メロディの流れがスムーズでなければならない
ブロックの繰り返し
-リピートの具体的処理
-サビをスムーズに導くフレーズはあるはずだ
-高くて長い音をサビ前に使うのが一般的
3 大楽節を組み合わせるときの注意事項
1コーラスにはどのくらいの大楽節が必要か
全体の長さを考えながら小節の数を調節する
大楽節の組み合わせ方のルール
1曲の長さはどのくらいが適当か
いろいろなモチーフが次々と出てきてもいい

第6章 テーマを設定して曲を作る
1 シングルヒットを目指す
背景......シングルヒットを前提に作られた曲
-覚えやすい曲であること
-「セプテンバー」という言葉をサビに使うこと
-シンガーの音域を最大限に生かし切ること
-アレンジを想定する
曲作り......60年代アメリカンポップスの雰囲気を取り入れる
-アメリカンポップスのセオリーを踏襲する
-セオリーばかりの曲作りがいいとは限らない
-コードの刻みで曲を引き締める
アレンジ......素直なメロディなので、作為の部分を作る
-イントロは曲のシンボル
-転調
-リズムチェンジ
-曲の終わりに向かってのアテンション作り
-コーラスアレンジもこの曲のポイントの1つ
-カッチリ計算されたアレンジをするか、プレイヤーのセンスを生かすか
ポイント......アレンジ段階で曲はいくらでも変化する
2 洋楽の雰囲気を取り入れた曲作り
背景......洋楽志向の曲が歌手の声質によってドメスティックに
曲作り......メジャーの中のマイナー感を意識
-下行するベース音で哀愁感を出す
-Aブロック、Bブロックを対照的にして曲の展開を生かす
-できるだけたくさんのコード進行をしっておくといい
ポイント......際立たせる部分と抑える部分のバランスが重要
3 アレンジを想定した曲作り
背景......CMタイアップを前提としたミディアムナンバー
曲作り......ギターリフが印象的な曲にしたい
-リフが取る音とメロディが取る音のバランスを考えること
-前後のブロックとのバランスを考えたBブロック
-サビのインパクトがCMタイアップ曲のポイント
アレンジ......ギター/ベースとメロディの絡みをうまく引き出す
-印象に残るリフを作る方法は?
-アレンジをイメージするには?
4 アーティストを想定した曲作り～男性ボーカルの場合
背景......アーティストの懐の深さを利用した"アンバランスの美"
-背景となるものを踏まえつつ、それを裏切るような意識
-ソウルフルな歌い方と甲高いハスキーボイスに着目
-アルバムの核になる曲作りを目指した
曲作り......各ブロックをバランスよく配置
-フェイクするボーカルの感覚を生かしたメロディ作り
-同じようなモチーフの繰り返しで曲を構成
-展開部のコード使いにひと工夫
-A'的なメロディに戻って終止させる
ポイント......バラードを作曲するコツ
-朗々と歌い上げる曲がバラードという認識は誤り
-バラードのコード感には2種類のものがある
-アーティストの志向性もバラードの局長に影響する
-メロディが大きくなり過ぎないように!
予想外の要素が思わぬヒットを生むこともある
5 アーティストを想定した曲作り～女性ボーカルの場合
背景......ユーミンの肉声をイメージしながら書いた曲
曲作り......シンメトリーを多用したカッチリした曲作り
-シンメトリーを多用するとコード進行の比重が大きくなる
-サビ前にひと呼吸置いて気分転換を図る
-誰かになりきって曲を作ると、新しい世界が開ける
シンプルで人の心に染みる曲を作るのは難しい
ポイント......ボーカリストのキャラクターをよく知ろう
6 アーティストを想定した曲作り～アイドルの場合
背景......過渡期の女性ボーカリストへ提供した曲
曲作り......王道のメロディ
-適当な英語のフレーズを使って最初のメロディを作る
-王道を歩くシンガーだからポップスの常套手段を使う
-フレーズをリピートさせるかさせないか
-リピート部に変化を持たせる
アレンジ......単純な曲構成の中で数々の技法を試した
-インパクトのあるサビ出のパターン
-強さのある洋楽的なベースライン
-フェイドアウトについて
音楽は一人で作り上げるものではない
7 映像を意識した曲作り
背景......インスト曲は同時にボーカル曲としても成立するか?
曲作り......ブロックごとに強調させる面を決めていく
-言葉数、つまり音符の数が多過ぎるとインストとして成立しにくい
-Aブロックではインスト的性格を有線させた
-落差の激しい導入部とサビをスムーズにつなげるテクニック
-ボーカルバージョンとインストバージョンの違いについて
ポイント......人間の感情の表現方法は1種類だけではない
8 アーティストをプロデュースする
なぜ作曲家がプロデューサーとして成功しているのだろう
新しい時代のアイドルとして菊池桃子をプロデュース
アーティストを通してメッセージを発信する
9 コンピューターを使った曲作り
全く素の状態で、コンピューターに向かって作曲をする
ブラッシュアップをしていく
-コードを変更してみる
-テンポを変えてみる
リズムを入れてみよう
自分の殻を破るためのコンピューター

第7章 出来上がった曲に満足できないときの対処法
1 曲の善し悪しを見極める
本人が満足できなければ「いい曲」ではない
録音して聴き直す、譜面に書き起こす
曲の光っている部分を見つけ出そう
2 モチーフのつなぎがギクシャクする
まずは欠点を見つけ出すこと
-(1)作った時期のタイムララグ
-(2)コンセプトのズレ
-(3)大楽節のサイズのアンバランス
-(4)大楽節の持つビート感の違い
-(5)勢いで一気に完成させた曲も要注意
自分が一番訴えたかったことを思い出す
譜面を書いてチェックしてみる
各ブロックの色彩が違っていても、バランスのいい曲は書ける
3 モチーフ同士のつながりがスムーズ過ぎる
ノーマルに作ればノーマル過ぎる仕上がりになることが多い
平凡なメロディを手直しする方法
-1つのブロックを取り出して変えてみる
-気に入ったブロックだけ残し、他にさまざまなメロディをぶつける
-他人と共作して、違う個性を融合させる
4 サビがイマイチ盛り上がらない
サビ=高い音域のメロディ?
-過去のヒット曲のサビをサンプルする
-メロディと歌詞を一体化させることが最強のサビを作るコツ
英語のイントネーションに合わせたメロディ作り
-「わかりやすさ」と「心地よい裏切り」が同居した作品はヒットする
-面白い語感を持ったキャッチコピーに勝手にメロディを付けてみる
-インスパイアされるとはどういうこと?
-オリジナリティとは?
5 アップテンポの曲なのにスピード感がない
原因その(1) メロディが大き過ぎる
原因その(2) 符割がまとも過ぎる
原因その(3) コードの展開がまとも過ぎる
6 歌い手の音域に合わせると、音幅が狭過ぎる
-ベストな方法は転調
- 自分の最高音をサビにとっておくことがルール
-インストゥルメンタルも作曲の1つの可能性
7 「転調」をうまく使ってみる
転調は今やポピュラーなテクニック
-メジャー/マイナー間の転調
-部分転調
必ずしも元のキーに戻る必要はない
必然性のある転調と、意図的な転調
-どこで転調するか
-転調によって歌いにくくなってはいけない
8 ここに気をつければ、もっといい曲になる!
自分なりの方法で1曲でも多くの曲を研究してほしい
中級者へ......異分子を積極的にとり入れてみよう
-聴かず嫌いは自分の可能性を狭めてしまう
上級者へ......自分のスタイルを壊してほしい

コラム
1 作曲を楽しもう!
2 掟破りの斬新さ
3 なぜシティポップブームは起きた?
4 四和音とテンションコードの話
5 ディスコから学んだこと
6 メロディとアレンジ